Martin Parr: «Creo ficción a partir de la realidad»

Martin Parr se ha establecido firmemente como uno de los fotógrafos documentales de éxito más famosos del mundo. En su obra, reconocible al instante, lo ha analizado todo, desde el consumismo global hasta el turismo de masas y el estilo de vida de los más ricos. Con una gran iluminación y saturación del color, destaca las peculiaridades y debilidades de los individuos y las sociedades a través de imágenes cargadas de un humor sarcástico y, a menudo, mordaz.

Recientemente ha inaugurado la Martin Parr Foundation en Bristol (Inglaterra), con la intención de exponer fotografía documental británica y albergar su propia colección y archivo fotográficos. Cuando lo conocimos allí, en una luminosa y soleada mañana, llevaba puesto su calzado insignia: sandalias con calcetines. Se mostraba lleno de vitalidad y alegre, sin dejar de lado la actitud combativa y rotunda que le caracteriza. Nos llevó a visitar las oficinas de la fundación y nos mostró una de sus características más kitsch: su colección de recuerdos de los perros del programa espacial soviético, que decora las paredes de la cocina.

Martin se ha forjado una reputación con un flujo constante de fotolibros, que incluyen The Last Resort: Photographs of New Brighton (1986), Small World (1995) y Common Sense (1999); hasta la fecha, ha publicado más de 100 libros. Ha formado parte de la prestigiosa agencia Magnum Photos desde 1994 y fue su presidente entre 2013 y 2017. A sus 66 años, su producción fotográfica sigue siendo prolífica. Beach Therapy, su nuevo libro, se publicará en febrero de 2019. Además, se mostrará al público una importante exposición de su obra, llamada Only Human, en la Galería Nacional de Retratos de Londres en marzo de 2019.

Aquí, Martin nos cuenta cómo ha desarrollado su distintivo estilo personal, el equipo que utiliza, la importancia de conseguir un buen archivo y por qué, independientemente de los avances técnicos con los que cuenten las cámaras, siempre será un reto capturar fotos excelentes.

Introducción del color saturado y el flash

Empezaste capturando en blanco y negro, usando la luz natural del día, pero a principios de los ochenta te pasaste a la captura en colores saturados con flash a la luz del día. ¿Qué te llevó a ese cambio de estilo tan radical?

¿Había más fotógrafos que utilizaran el flash a la luz del día cuando tú empezaste a incorporarlo?
«Se podían ver los primeros indicios. Chris Killip usaba el flash al comienzo de su carrera. Andy Earl, otro fotógrafo británico, también utilizó el flash y el color muy pronto. Recuerdo ver sus imágenes de lugares como Ascot y el gran interés que me despertaron por esta técnica. Así que sí, se utilizaba, pero su uso no era tan popular como en la actualidad».

«También adopté el idioma de la fotografía comercial, con sujetos muy iluminados y colores saturados. Lo que hice fue tomar ese idioma que nos rodea, el del mundo de la publicidad y la moda, y aplicarlo con fines documentales. Era un enfoque novedoso, pero no puedo decir que fuera el único que lo utilizaba. Muchos otros exploraban también ese territorio. Yo simplemente lo convertí en mi mantra particular y funcionó muy bien».

¿Había otros fotógrafos que utilizaran el flash para el trabajo documental, como tú hiciste con posterioridad?
«Había algunos ejemplos de flash anular en los noventa, pero no eran predominantes. Cuando descubrí la combinación del objetivo macro con el flash anular, estaba muy entusiasmado al ver todo lo que podría ofrecer. Me permitió pensar en utilizar como sujetos clichés como la comida y demostrar que ese tipo de sujetos pueden contar tanto sobre el mundo como los demás».

¿Cuáles fueron las ventajas de utilizar el flash anular?
«La principal ventaja fue que el flash daba a las cosas un aspecto surrealista que me encantaba. Cuando utilizaba una película negativa en color de ISO 50 lenta, el flash anular producía colores intensos. En aquel entonces me atrajo mucho ese tipo de paleta ultrasaturada. Creo ficción a partir de la realidad, así que, en cierto sentido, contribuye a distanciar la realidad de las fotos. Incluso en la actualidad sigo empleando la combinación de objetivo gran angular y flash anular. Para mí, no se trata tanto de un enfoque técnico, sino estético».

Cámaras de gran tamaño, archivos de gran tamaño

¿Cuál es la cámara que más usas en la actualidad?

Empezaste a utilizar cámaras digitales en 2006. ¿Han cambiado estas tu metodología de trabajo?
«Sí, me han hecho la vida mucho más fácil. La primera ventaja, por supuesto, es que no necesito cambiar la película cada 10 capturas, al contrario que con mis cámaras de película de medio formato. Obtengo una calidad similar y puedo almacenar 520 imágenes en una tarjeta. Ahora, si se me escapa alguna foto que merezca la pena, ya no puedo echarle la culpa al cambio de película. La calidad que se obtiene al aumentar a ISO 6000 es sorprendente. Obtienes algo de ruido, pero la calidad sigue siendo notable. Al combinar estos ISO elevados con el flash y diferentes técnicas, tienes un control mucho mayor sobre el resultado de tus imágenes.

Y, por su puesto, ves las imágenes en la parte posterior de la cámara, así que sabes lo que estás capturando. Para mí, eso ha sido toda una revelación».

A menudo se dice que el desarrollo técnico está convirtiendo la nuestra en una época dorada para la fotografía. ¿Crees que es cierto?
«Sí y no. Se podría argumentar que, desde un punto de vista técnico, en la actualidad es más sencillo ser fotógrafo, porque te olvidas de calcular la exposición y todo eso; las cámaras hacen el trabajo por ti. Pero lo que resulta más difícil es encontrar una historia única, que refleje tu propia relación con el mundo. Eso no cambia nunca. Así que, aunque técnicamente es más sencillo y hay más plataformas fotográficas que nunca, conseguir buenas fotos y, al mismo tiempo, mantener tu propia visión nunca es tarea fácil. Y menos mal, porque si no, ¿qué diferencia habría entre un buen fotógrafo y uno excelente?».

¿Qué importancia tienen las habilidades técnicas para un fotógrafo?
«Digamos que, para poder vender una impresión de 50 x 76 cm por un total de unas 4000 £ (o más de 4500 €), es necesario que la impresión sea buena. Por lo tanto, mi primera motivación es atender a los aspectos técnicos para que la impresión luzca al colgarla en la pared: que sea nítida, equilibrada, con los colores adecuados y una paleta atractiva. Todo eso tiene que funcionar a fin de crear una imagen lo suficientemente interesante para que alguien quiera comprarla. Así que sí, tienes que dominar la técnica para respaldar lo que estás contando y por eso me tomo muy en serio el tener un buen archivo y una resolución de gran calidad. Es como un idioma: cuantos más verbos y nombres entiendas, más posibilidades tendrás de articular con exactitud lo que quieres decir».

¿En qué consiste tu trabajo de posprocesamiento?
«No he procesado un trabajo a posteriori en mi vida. Cuando veo la fotografía, simplemente sé que está bien. Louis, que hace ese trabajo por mí, conoce mi paleta a la perfección. Sabe lo que me gusta y cómo quiero que se imprima, así que es muy raro oírme decir "algo me falla en esta impresión", pero en caso de que ocurra, la retocamos».

¿Tienes alguna regla básica para el posprocesamiento?
«En realidad no. No potencio los colores ni elimino elementos, a excepción de los puntos de luz del flash, los reflejos en los ojos..., ese tipo de cosas. No vamos a combinar dos imágenes para crear una nueva mejorada. Soy defensor de la integridad de la imagen».

Un estilo característico

¿Interactúas con los sujetos?
«Cada situación es diferente. Unas veces interactúas con las personas y otras te pones manos a la obra de lleno. No se puede decir que existan reglas de comportamiento porque varían según la situación. Ahora hago muchos más retratos que antes, así que en este caso es claro que tengo su consentimiento porque les pregunto. Existen muchas formas distintas de fotografiar personas y yo las utilizo todas».

¿Contar con un estilo fotográfico característico presenta inconvenientes?
«Se podría decir que en parte es predecible, por eso sigo utilizando diferentes técnicas. Por ejemplo, estoy a punto de publicar un libro, Beach Therapy, para el que he fotografiado con un teleobjetivo. Durante muchos años, cuando me hacía con una nueva cámara o un nuevo objetivo, utilizaba la playa como primer laboratorio de experimentación. Recientemente he estado utilizando el objetivo EF 70-300mm f/4-5.6 IS USM de Canon y fotografiando en distintas playas. En los últimos cuatro años he compilado una buena colección de obras».

Siempre te ha fascinado lo británico. ¿Qué es lo que te interesa tanto de la identidad británica?
«Me parece muy diversa y atractiva. Y, además, yo soy británico también. Para mí la pregunta es: ¿cómo puedo reflejar a esta excéntrica nación en una serie fotográfica? Ese es el desafío constante».

¿Qué es lo que impulsa tu trabajo? ¿La curiosidad?
«Sí, creo que sí. Me fascina el mundo en el que vivimos y cómo puedo interpretarlo y convertirlo en imágenes. No es una tarea sencilla, pero el proceso me sigue emocionando tanto como hace 50 años. No lo puedo evitar».