9 errores de filmación y cómo evitarlos

Si los profesionales pudieran volver atrás y hacer algo de forma diferente, ¿qué sería? Todo el mundo tiene que empezar de alguna forma y, al adentrarse en el mundo de la filmación, hay mucho que aprender, desde los conocimientos técnicos hasta la narración de historias o cómo encontrar tu lugar en una producción a gran escala.

Cometer errores a lo largo del camino es parte del proceso de aprendizaje, pero también lo es aprender de los demás. El realizador de documentales y presentador de televisión italiano Roberto Palozzi, que dirige la empresa de producción de vídeo Erebus Productions y graba películas de vida salvaje, naturaleza e historia para la televisión italiana, dice que ha aprendido su arte mediante el método de ensayo y error.

Roberto saltó a la fama filmando la naturaleza en la Antártida y dice que el impresionante paisaje compensó sus carencias prácticas. «Aunque no tenía ninguna experiencia, estaba en mitad de un océano helado con focas y pingüinos emperadores, así que fue bastante fácil regresar con un buen material; no porque yo fuera un buen cineasta, sino porque todo lo que me rodeaba era fantástico».

Los inicios del realizador de documentales Michael Zomer están relacionados con los deportes extremos, ya que empezó grabando a sus amigos mientras patinaban en los Países Bajos, antes de pasarse a grabar acción para Discovery Channel y Red Bull. Pero hoy en día se centra cada vez más en la documentación de subculturas y la filmación con comunidades indígenas en lugares remotos del mundo. «En los últimos dos años, la narración de historias ha cobrado mucha más importancia para mí», cuenta. «El mejor comentario que podría recibir es: "Guau, esta historia me ha llegado de verdad". Siempre me ha fascinado estar con otras personas, incluso sin una cámara; me gusta conectar con ellas y contar historias desde el corazón».

El director de fotografía y cineasta Juan Luis Cabellos (AEC) tiene su sede en Madrid, donde se ha ganado el reconocimiento en un enorme número de series españolas. Sus años de experiencia grabando para televisión y cine le han enseñado la importancia de tener una buena actitud hacia el trabajo.

«Como profesional del sector, debes ser fiable», dice Juan. «Un equipo de cine trabaja como el equipo que cambia las ruedas a un coche de carreras. Si uno falla, el coche no estará listo a tiempo. Es preferible que no seas el mecánico torpe que ralentiza la operación».

En este artículo, Juan, Michael y Roberto comparten lo que han aprendido en sus años de trabajo y revelan los nueve errores más importantes que hay que evitar al dar los primeros pasos en la industria del cine.

Aunque es bueno aprender todo lo que conlleva una grabación y puede resultar tentador intentar hacerlo todo tú mismo, Juan y Roberto recomiendan lo contrario.

«Sin duda se trata de un trabajo en equipo», afirma Juan. «Es muy importante saber cómo funciona, no solo técnicamente, sino cómo comunicarte con el resto del equipo, ya que esto te ayudará a entender mejor el trabajo diario de una película. Por encima de todo, sé amable con la gente, tanto si eres el director como el último asistente. Al final del día, no somos solo un equipo, sino una familia».

«Intentaba hacerlo todo por mi cuenta», dice Roberto. «Eso puede funcionar como fotógrafo, pero no como videógrafo. Para controlar todas las numerosas variables de una producción de vídeo, no puedes estar solo. Si quieres grabar un buen documental, tienes que trabajar con un equipo».

Procedente del mundo de la fotografía, Roberto empezó buscando la toma perfecta, algo que no siempre se traslada al vídeo. «En la fotografía muestras un instante, pero en el vídeo debes contar una historia. Un bonito clip de 20 segundos no tiene un gran valor si no tienes otros que vayan antes y después de este».

«Me gustaría haber entendido que cada clip está relacionado con los que van antes y después. Una comprensión más profunda de las transiciones de vídeo me habría ayudado bastante. Si estás realizando un documental, debes tener en mente el resultado final, que se conseguirá en la edición. Si sabes cómo funciona el proceso de edición, filmarás teniéndolo en cuenta».

«Incluso después de muchos años de práctica, puede seguir sorprendiéndote», afirma Michael. «Creo que sé exactamente lo que necesito, por lo que cuando estoy grabando, voy a lo seguro; no grabo demasiado para que sea digerible en posproducción. Pero a veces me vuelvo loco y me pierdo ciertas tomas cuando debería haber seguido grabando en el momento».

Juan también recomienda matricularse en una escuela de cine para aprender el arte. «No tiene que ser la escuela más cara o famosa. Hay una amplia variedad en Europa, así que simplemente busca la adecuada para ti. Conocerás a gente en tu misma posición y participarás en proyectos con compañeros en los que ganarás experiencia y "horas de vuelo"».

«Al principio, pensaba que las tomas extremas eran las mejores», dice Roberto, que elegía 12 mm en lugar de 45 mm para las tomas gran angular, se decantaba por el teleobjetivo extremo de 400 mm en lugar de 200 mm o forzaba una profundidad de campo reducida más de lo necesario.

«Ahora creo que lo que tienes que intentar conseguir es sencillez, suavidad y un aspecto natural en la imagen. Si necesitas recurrir a extremos, significa que estás buscando algo para compensar las carencias de tu historia. Si tu historia es buena, no tienes que grabar hasta extremos, y si el metraje es sencillo y fluido, tu historia será mejor».

Uno de los mayores errores de filmación de Michael era ir a las sesiones en junglas aisladas sin un plan claro. «Los lugares a los que voy son toda una incógnita, por lo que no siempre puedes elaborar un plan, pero aun así debes escribir un guion», explica. «Si no lo haces, volverás a casa con todo tipo de tramas inconexas. Por eso, debes escribir un guion con lo que sabes y empezar a partir de ahí».

«La posproducción no puede salvar cualquier contenido», añade Juan. «El ambiente de la iluminación debe crearse en el set. La imagen del monitor en el set debe parecerse bastante a la que quedará en la gradación del color final. La corrección del color debe ser solo un ajuste preciso para solucionar las pequeñas diferencias entre las tomas y conseguir los matices finales en la reproducción del color. Hay muchas decisiones, como la dirección de la luz, que no puedes tomar en posproducción».

Juan también dice que siempre debes tener cuidado con la exposición y evitar una confianza excesiva en la potencia del formato RAW. «Los archivos RAW nos ofrecen un gran margen de acción en posproducción, pero no son mágicos ni ilimitados. Ten cuidado con la abertura y ajusta también la temperatura de color para que la configuración se corresponda con el aspecto y la sensación que quieres conseguir».

«Cuando vayas a ubicaciones remotas, no puedes simplemente presentarte allí, por lo que es muy importante que investigues un poco», afirma Michael. Cuando quiere centrarse en una comunidad indígena, busca a antropólogos que hayan visitado previamente la región. «He estado en muchos lugares en los que con solo decir el nombre de un antropólogo o investigador te dejan pasar porque esa persona ya se ha ganado su confianza».

Otro punto esencial es buscar intérpretes locales, que también te pueden ayudar con los aspectos prácticos para llegar a comunidades aisladas. «A veces implica un viaje de cinco días en moto o en un animal de carga», cuenta Michael. «No podría llegar a estas ubicaciones por mí mismo, por lo que necesito relacionarme con personas de la zona y confiar en sus conocimientos. Y me encanta hacerlo. Creo que es el factor clave para que una producción tenga éxito».

Algunas de las comunidades indígenas en las que Michael graba no han visto casi nunca a personas externas. «Digamos que nunca han visto una cámara, por lo que llegar y ponerse a grabar al momento sería demasiado», explica. «Siempre voy con la mejor intención y con un interés puro en su cultura, pero también comparto mi vida y cultura porque ellos se interesan por mí, y así es como te ganas su confianza».

El tamaño de tu equipo también influye. «Si te planteas un poco la sensibilidad cultural, no vas a presentarte con un árbol de Navidad», añade Michael. «Es bastante inapropiado llegar con una cámara enorme. Quieres que sea lo más compacta posible para que las personas se relajen y se abran».

Para su trabajo en comunidades aisladas, Michael confía en las capacidades cinematográficas de la cámara Canon EOS C70. «Me encantan los filtros ND internos, que pueda grabar en 4K y a 100 fps, y la duración de la batería, porque he estado en sitios en los que no había electricidad. Es la mejor cámara que podía imaginar para mi trabajo».

Roberto recuerda sus primeras sesiones de grabación, a las que iba cargado con pesadísimos bolsos para el equipo. Es algo que se debía en parte a la falta de experiencia y planificación. No sabía qué cámaras y objetivos iban bien en cada escena, ni siquiera las tomas que quería conseguir, por lo que tenía que considerar todas las posibilidades.

«A lo largo de los años, mi equipo se ha hecho cada vez más ligero», dice. «Intento traer solo las cosas que voy a usar. Quiero estar seguro de lo que quiero hacer y no dejarlo en manos del destino. Ahora que tengo claro lo que quiero grabar, sé qué equipo es adecuado para conseguir mi objetivo».

Michael también recomienda no complicarse demasiado. «Algo que he aprendido es a no llevar demasiado equipo con la cámara. Debes centrarte en la narración de la historia. A veces me centro en la longitud focal del objetivo o la profundidad de campo, y en conseguir esta imagen perfecta, pero en los documentales lo que importa es la historia».

«También es muy importante que conozcas bien tus herramientas», concluye Roberto. «Saber exactamente cómo funciona tu equipo significa que sabes lo que puedes hacer y lo que no. Por eso grabo con cámaras de Canon, ya que todas tienen las características que necesito para mis vídeos. Cuando grabo con Canon, me siento seguro con el resultado».